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Biografilm, Gonzo in anteprima ÂBiografilm FestivalIV edizione, Bologna 11 - 15 giugno 2008 Anteprime
Selezione ufficiale Fuori concorso Being Charlie Kaufman Pop Lives! Warhol
Omaggio a Peter Whitehead
Omaggio a Edo Bertoglio
Wiki Workshop Tutti i segreti su come editare una pagina online. Cos’è, come funziona e come si può partecipare al progetto che ha rivoluzionato per sempre il concetto di enciclopedia e di sapere collettivo. E’ previsto un aggiornamento dal vivo delle voci di Wikipedia dedicate ai protagonisti di Biografilm, con la partecipazione di biografi e ospiti d’eccezione.
Programma dettagliato 30 maggio 2008
New York, Cinema italiano ÂOpen Roads: New Italian CinemaOttava edizione 6 -12 giugno 2008 L’unica vetrina interamente dedicata al cinema italiano contemporaneo a New York. Organizzata da Filmitalia grazie al supporto della Direzione Generale Cinema - MIBAC La manifestazione prevede, nell’arco di una settimana, la proiezione di 13 tra i migliori film dell’ultima stagione, con un particolare occhio di riguardo al nuovo cinema documentario, genere in cui l’Italia negli ultimi anni ha raggiunto ottimi livelli, e una selezione dei migliori cortometraggi dell’anno scelti tra i corti finalisti dei Nastri d’Argento in collaborazione con il Sindacato Nazionale Critici Cinematografici.
I 13 film selezionati
THE GIRL BY THE LAKE (LA RAGAZZA DEL LAGO) di Andrea Molaioli DON’T THINK ABOUT IT (NON PENSARCI) di Gianni Zanasi DAYS AND CLOUDS (GIORNI E NUVOLE) di Silvio Soldini PIANO, SOLO di Riccardo Milani APPOINTMENT AT AN UNUSUAL HOUR (APPUNTAMENTO A ORA INSOLITA) di Stefano Coletta THE SWEET AND THE BITTER (IL DOLCE E L’AMARO) di Andrea Porporati SATURNO CONTRO (SATURNO CONTRO) di Ferzan Ozpetek NIGHT BUS (NOTTURNO BUS) di Davide Marengo THE WALTZ (VALZER) di Salvatore Maira IN THE FACTORY (IN FABBRICA) di Francesca Comencini MS F. (SIGNORINA EFFE) di Wilma Labate THE RIGHT DISTANCE (LA GIUSTA DISTANZA) di Carlo Mazzacurati BIUTIFUL CAUNTRI di Esmeralda Calabria, Andrea D’Ambrosio, Peppe Ruggiero
Film di retrospettiva THE BLUE PLANET (IL PIANETA AZZURO) di Franco Piavoli (1983)
Cortissimo New Italian Short Films IÂ corti selezionati
MIRANDA’S JOURNEY di Catherine McGilvray. 30 maggio 2008
Sarah Jessica: Cambiano i colori… è favoloso!
30 maggio 2008
Sidney Pollack, autore nascosto nel grande cinema
Franco Pecori
30 maggio 2008
Alexandra
Nessuna prescrizione poetica ha, di per sé, diritto di cittadinanza estetica. Il trasferimento è teoreticamente arbitrario. Il russo Sokurov (Premio Bresson a Venezia 2008) non può fare eccezione. Al regista di Moloch, Arca russa, Padre e figlio, Il sole non piacciono i film sulla guerra: «L’orrore è inesprimibile». Tuttavia di film sulla guerra se ne sono fatti anche di bellissimi. Nulla è vietato al cinema, come alla letteratura e a qualsiasi forma espressiva. Ciò premesso, la scelta di Sokurov di trattare il tema del conflitto in Cecenia attraverso una sorta di contaminazione “marziana” tra due mondi poeticamente incomunicanti dà risultati di intensissima poesia e di dolorosa denuncia. Alexandra va bene al di là del riferimento contingente (il Caucaso) per sconfinare nel tema universale dei rapporti umani. Rapporti che non sono e non possono essere sempre uguali in ogni situazione, ma che, proprio mutando le situazioni, tendono ad attingere a quella sorta di “riserva” storica che li riattiva e li riattualizza secondo necessità . Il film è semplicissimo nella struttura. Alexandra (Galina Vishnevskaya, la grande cantante lirica, vedova del violoncellista Rostropovic), l’anziana nonna di Denis (Shetvtsov), ufficiale dell’esercito russo, va a trovare il nipote nell’accampamento in Cecenia, dove il giovane è operativo. La guerra è a pochi chilometri, ma non si vede. I soldati passano una loro quotidianità di sopravvivenza, compiendo atti e gesti “normali”. Ma all’arrivo di Alexandra tutto sembra divenire strano, incongruo, fantastico perfino. Si percepisce un’astrazione connotabile non in immagini “astratte” bensì nella minuzia caparbia dei movimenti e delle impressioni contenute della donna. Alexandra porta con sé qualcosa di “esterno” in quell’accampamento che improvvisamente è assurdo, inessenziale. Si adatta a riposare in una baracca polverosa come fosse un rispettabile albergo, dice a Denis: « Sei sporco, lavati», esce dal recinto per andare al mercatino dove le altre donne mantengono vivi i sentimenti di sempre, torna dai soldati e alla loro giornata uguale e indifferente. Poi Alexandra se ne rivà . La visita è finita in un momento qualsiasi di un giorno di guerra qualsiasi. Denis non è più il ragazzo di una volta. Lodevole la selezione che la società Movimento Film continua a fare nel senso della qualità . Alexandra, dopo la partecipazione ai festival di Cannes e Torino 2007, esce nelle sale con una distribuzione limitata ad alcune città : Roma, Milano,Torino, Bari, Lecce, Palermo, Padova. L’idea, giusta, è di estendere in seguito la lista. Franco Pecori 30 maggio 2008
Once
Al suo terzo lungometraggio (November Afternoon, 1977, On The Edge, 2001), l’irlandese Carney accentua la sua scelta di metodo nel senso del cinema d’autore dalle tipiche caratteristiche “indipendenti”, nella concezione e nella fattura. Sceneggiatura tenue e quasi inesistente a vantaggio di un’autonomia dello svolgimento filmico, che di momento in momento produce il proprio senso in funzione di ciò che davanti al cineocchio accade per una sola volta. E’ il mito della “cattura”, se non della “realtà ”, almeno del “materiale profilmico” più o meno improvvisato e lasciato vivere di per sé. Qui il materiale è dato, essenzialmente, dalla musica (di qualità apprezzabile, tanto da meritare l’Oscar 2008 per la canzone originale) e dai sentimenti di due giovani, le cui storie intime sono colte nel momento del loro incontro casuale, per la strade di Dublino. Due delusioni d’amore che bruciano, due musicisti - lui (Hansard) chitarra e canto, lei (Irglová) pianoforte e canto - che esprimono nella musica le proprie aspirazioni di vita, anche segrete. Lei si ferma ad ascoltare lui che canta il suo tormento ai passanti. Qualcosa li attira reciprocamente, una sensazione, una sensibilità artistica, una voglia di comunicare e condividere la propria condizione. Lui invita lei a seguirlo in sala d’incisione per realizzare un “demo”, poi partirà per Londra in cerca di fortuna. Nulla succede eppure tutto succede, come per ciascuno in ogni momento della vita, unico. Il film è piaciuto molto al pubblico del Sundance Film Festival, che lo ha premiato. Il premio si capisce: in fondo, Once è un film vicino al pubblico proprio in senso esistenziale, avendo abbattuto il muro - così sembra - che in genere separa appunto lo spettatore dalla “lavorazione” cinematografica. Il fatto che la storia sia in qualche misura “vera” non cambia di una virgola la valutazione del film. Conferma tuttavia la bravura di Geln Hansard, uno dei fondatori del gruppo rock irlandese The Frames. Franco Pecori
guarda il video dell’intervista 30 maggio 2008
Sex and the city
Contrazione di una serie televisiva (l’omonima Sex and the city, creata da Darren Star). Operazione non semplice. Primo tra tutti il problema della durata delle situazioni. Se diluito in una serie infinita di puntate, il racconto crea, sulla base della fedeltà all’ascolto, partecipazione convinta ai “valori-guida” della storia, ai modelli di comportamento (ammirati o detestati, ha poca importanza) dei personaggi, al loro “destino”, rapportato alla “quotidianità ” della fruizione. Relativamente alla durata può cambiare il senso complessivo, dell’opera e della “risposta” (feedback) del pubblico. Ridotto a 145 minuti e proiettato in una sala cinematografica, il discorso prende la piega di una vera aggressione, “simpatica” ma non meno invasiva. Fatta salva la bravura delle quattro protagoniste (Parker/Carrie, Cattrall/Samantha, Davis/Charlotte, Nixon/Miranda) e del regista nel valorizzarne il “fascino” con una continua e spettacolare messa in primo piano della loro presenza schermica, singola e di squadra, in un gioco ammirevole di intescambio situazionale, resta il sincretismo atomico della confezione, l’impatto deflagrante del prodotto contro universi/platea non necessariamente omogenei. Arriva su di noi, noi italiani noi europei (limitiamoci a distanze più facili da calcolare), una commedia/bomba con un’etichetta inequivocabile, su cui è scritto: «Contiene “ogni tipo di donna newyorkese”». Che meraviglia! Vi potete fare un’idea precisa di come si vive nel cuore del mondo progredito! E quindi potete decidere se andare a vivere là o se aspettare che loro, le donne newyorkesi, vengano qui. Ma non sono già qui? Ma la moda di Vogue non è arrivata da noi? Carrie, che la frequenta addirittura da scrittrice, può trovare senz’altro amiche interlocutrici già da ora, che prenda un aereo o che soltanto digiti sul cellulare. Fate attenzione, se il film vi dovesse “prendere” da non lasciarvi più riflettere, a un certo punto verrete avvertiti che «Sì, è una presa in giro!» - già , perché i responsabili del film (lo sapete, il cinema è un lavoro collettivo) non sono così ingenui da credere di poter far passare il giochetto per semplice realtà . A loro basta che stiate al gioco. D’altronde, pensate se la possibilità della «presa in giro» non ci fosse. Insomma, tranquilli e tranquille: chi si deve sposare si sposerà , chi deve avere un figlio lo avrà , chi vorrà coltivare la sua sessualità matura lo potrà fare, ecc. Infatti, l’unica password che non passa mai di moda è ancora una parolina: love. Un film per tutti, da prima serata. Uno spettacolo di benessere. Franco Pecori 30 maggio 2008
Il divo
Un altro “amico di famiglia”? Il paragone ci può stare, fatte le debite differenze e proporzioni tra il precedente film di Sorrentino, L’amico di famiglia appunto (2006), e questa sarcastica e, in diverso modo, surreale “biografia” di Giulio Andreotti. Se l’usuraio Geremia (il bravo Giacomo Rizzo) riteneva, perfino con una punta di esistenzialismo, di svolgere nell’Agro Pontino un’attività socialmente utile, Andreotti (il bravissimo Toni Servillo), fermo e chiuso nel suo potere “divino” (poté dire a Papa Wojtyla: «Se permette, Santità , Lei non conosce il Vaticano») sembra recitare - e forse ne è convinto - il ruolo di chi, per la salvezza del suo Paese (salvezza dal comunismo, progressivamente incombente dal dopoguerra all’assassinio di Moro), sopporta su di sé l’enorme peso del Male necessario. Assediato da quotidiane emicranie, il Divo si fa forza con una serie infinita di battute di spirito, che vanno via via a formare un cumulo di spunti riflessivi, tanto efficaci nella funzione impermeabilizzante verso l’orpello politico (la sostanza è invece il suo vero nutrimento) quanto inconsistenti, forse, nel loro effettivo portato filosofico. L’ambiguità è insopprimibile, pena la caduta del mito: favola della quotidianità assunta nel cielo degli affari e degli intrecci di sopravvivenza, scambiati per strategie di Stato. Il regista costruisce la figura del Divo in chiave simbolica non tralasciando di assisterne la fisicità , con una carica di provocazione insistita fino al rischio della contaminazione universale. E tuttavia non fermandosi all’indicazione “personale”, per andare invece al di là di Andreotti Giulio, oltre i nomi e i fatti, che pure l’agenda segnala in rosso scrivendo sullo schermo annotazioni per un vero e proprio “ripasso” di 50 anni di storia. Al di là , non perché la figura dell’uomo politico italiano «più importante dell’ultimo mezzo secolo» debba dissolversi nell’orizzonte grigio dei silenzi mortali e delle feroci invenzioni machiavelliche, ma piuttosto per un respiro stilistico (non sembri una parolaccia), che sappia dare alla rappresentazione la sua forma più degna, di metafora della sofferenza sociale e culturale, cui è costretto tutto un popolo inconsapevole e credente. Da questo profondo dolore nasce lo sbigottimento per un film che certo non va preso per “neorealistico” - basti pensare alla fotografia di Luca Bigazzi, niente di più lontano dalla (falsa) tradizione “documentaria” del nostro nobilissimo cinema d’autore del dopoguerra. Il divo si offre invece come thriller del mutismo. Quell’uomo, stretto nelle sue spallucce e soffocato dalla montagna di faldoni del suo archivio, è in realtà un oggetto il cui mistero attende di essere indagato, la cui scorza durissima chiede, forse, di venire infranta al di là delle 26 “archiviazioni” della Giustizia ordinaria. Pur nell’orribile sequela di misfatti accadutigli attorno, il Divo denuncia la propria essenza in forma di mutismo storico, ben oltre le battute di spirito. Ed è questa sensazione terribile che Sorrentino riesce a trasmetterci. Franco Pecori 28 maggio 2008
Saviano: Continuerò a scrivere
«Continuerò a scrivere. Reagisce così Roberto Saviano, Il film è stato accolto da molti applausi alla propiezione per la stampa. 25 maggio 2008
Cannes 2008, la Palma d’Oro al francese “Entre les murs” Â
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 Sarah Jessica Parker si sente ancora perfettamente a proprio agio nei panni di Carrie Bradshaw, la reporter “Vogue”. Dopo sei stagioni televisive, 92 episodi, le quattro ragazze alla moda di Sex and the city sono tornate in formato cinema. Schermo più grande e cambio di… colori. Sarah Jessica trova affascinante l’adeguamento, necessario col passare del tempo, a certe sfumature del personaggio: «Carrie è decisamente una persona invecchiata e differente, che ha modificato i suoi gusti, così come la sua tavolozza di colori». E ricorda il periodo delle riprese del film con grande trasporto: «E’ stato favoloso, veramente eccitante».
 Sidney Pollack è uno dei maggiori e più nitidi esempi di cinema d’autore nascosto nella grande macchina del cinema di genere. Pollack conosceva il mestiere nei suoi punti cardine rispetto alle esigenze primarie della produzione hollywoodiana: la professione di attore e di regista erano intimamente lagate in lui da una consapevolezza complessiva circa il lavoro del cinema e la sua efficacia in termini di risultato, di consenso del pubblico. Nei punti fondamentali della carriera, Pollack ha operato proprio quando - siamo tra la fine degli anni ‘60 e la metà dei ‘70 - i settori più reattivi del cinema americano hanno mostrato di avere maggiore sensibilità verso un certo cambiamento nei rapporti interni al lavoro stesso. Ci riferiamo alla nuova articolazione nell’interscambio tra i momenti progettuali (soggetto e sceneggiatura soprattutto) del film e i momenti realizzativi (riprese, interpretazione, montaggio). Una figura per tutte, Robert Redford, attore di una “serie” che da sola potrebbe dimostrare il senso del cinema di Pollack: Come eravamo, 
I tre giorni del condor, Corvo rosso non avrai il mio scalpo, Il cavaliere elettrico, La mia africa. Non c’è bisogno di riandare a Rodolfo Valentino per notare lo stacco segnato da Redford e un po’ da tutta la sua generazione (si pensi, tra le attrici, a Jane Fonda, da Barbarella in poi) rispetto al divismo tradizionale. Il nuovo attore ha ben altra coscienza della sceneggiatura, dei personaggi e dei modelli che va a proporre al pubblico, è consapevole che trasferirà sullo schermo non la propria maschera fissa e immutabile ma una serie di interpretazioni, di visioni del mondo (Tootsie, sguardo fulminante sui risvolti del travestimento e sugli anni ‘80). E questo, ovviamente, non sarebbe possibile senza un accordo profondo con il regista, il quale da un certo punto in poi sente di dover essere non più soltanto il bravo esecutore di un copione “di ferro”, ma di poter sostanziare il lavoro con il segno specifico della propria personalità artistica. Certo il cinema europeo, che aveva già espresso le massime valenze rinnovatrici nel decennio precedente (Nouvelle Vague francese e prosecuzione del cinema postbellico italiano) era molto più scopertamente autoriale, avendo esaltato il ruolo centrale della regia (Truffaut, Chabrol, Rohmer, Antonioni, Olmi, Fellini); tuttavia esempi come quello di Pollack stanno ancora a significare la possibilità di “movimento” del regista nel senso della creatività soggettiva (e dunque relativamente libera) all’interno dei generi standardizzati. Non si potrebbe prescindere dai film di Pollack in un esame dell’evoluzione del Western. Una certa aspirazione alla libertà , nel regista di Non si uccidono così anche i cavalli?, è sottolineata dal paradosso del doppio Oscar (film e regia), ottenuto nel 1985 per La mia Africa, non il migliore dei capolavori di Pollack, mentre già nel 1978 Redford aveva fondato il Sundance Film Festival, dedicato al cinema indipendente. Nato a Lafayette (Indiana) l’1 luglio 1934, Sidney Pollack è morto a Los Angeles il 26 maggio 2008.
Aleksandra
Once
Sex and the city
Il divo
  
 
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